Il mondo di Giovanna

Che questo film mi avrebbe scossa, già lo sapevo. Ciò che non potevo prevedere era lo stato emotivo che mi avrebbe tenacemente attanagliato lo stomaco a sipario calato. Questa pellicola racchiude quanto più di profondo, un uomo, possa cogliere in un’emozione. A dispetto della prevedibilità con la quale, spesso, ci troviamo a fare i conti, la commozione è incalzante, resta un groppo in gola impossibile da sciogliere. La pellicola è attraversata da suoni e colori inequivocabili, come se riconoscendoli ogni spettatore trovasse un punto di appoggio su cui sentirsi al sicuro: il suono del campanello della casa del poliziotto Sergio Ghia (Ezio Greggio), i colori spenti delle ambientazioni, l’abito in raso di Giovanna (Alba Rohrwacher). E ancora pone il pubblico di fronte a diverse sfaccettature di vivere e mostrare l’amore: quello autentico di uno splendido Silvio Orlando, verso l’amata figlia Giovanna, nel quale un senso di responsabilità ed eccessiva protezione lo inducono a negare l’evidenza. Quello della madre Delia (Francesca Neri) silenzioso e privo di appartenenza, come ogni donna si capacita di ciò che le accade intorno ma a differenza di ogni madre ne ignora l’esistenza. E poi c’è Giovanna, il suo modo fanciullesco di vivere gli affetti non le impedisce di guardare in faccia alla realtà, di interpretarla sì in maniera ingenua, ma comunque di addentrarsi laddove nessuno ha il coraggio di arrivare. Perfetta nel ruolo, Alba Rohrwacher, inghiottisce la sensibilità dello spettatore, rendendolo debole di fronte al suo personaggio: quando appare sullo schermo si teme una sua reazione illogica, un gesto estremo, un ragionamento incoerente. Tutti “vedono” ma nessuno “osa”.
Questa pellicola ha la forza di un ciclone a ciel sereno, si materializza inaspettatamente senza concedere una possibile via di fuga. Ha un ritmo lento, apparentemente senza inflessioni, quando d’improvviso si è testimoni di un tragico istante: il ritrovamento di un cadavere, il primo dialogo fra il padre e Giovanna, quando quest’ultima viene portata in carcere (uno scambio di battute aspro dopo tanta dolcezza, in una situazione paradossale in cui Michele è in cerca di un briciolo di speranza e Giovanna non presenta sintomi di rammarico), la decisione ultima di Michele nei confronti della moglie.
Tutti atti d’amore interpretati dai nostri occhi e dal nostro cuore: ritengo che il nuovo lavoro di Pupi Avati sia per questo molto intimo e personale.
Un film che somiglia all’immagine della luna riflessa sull’acqua: la forma è distorta dal movimento delle onde. Quella reale è visibile soltanto alzando lo sguardo. Per un film di questo valore, vale la pena lanciare lo sguardo un po’ più su.

Trama

Bologna, 1938. Michele Casali (Silvio Orlando) insegna disegno nello stesso Istituto dove studia la figlia Giovanna (Alba Rohrwacher). Il rapporto fra i due è molto stretto, tanto che la madre (Francesca Neri) viene spesso esclusa dalle confidenze della giovane. Giovanna, però, inizia a dare segni di squilibrio che tormentano non poco il padre, mentre la madre sembra accoglierli senza sorpresa. Quando alla porta si presenta il poliziotto Sergio Ghia (Ezio Greggio), il futuro della giovane cambierà solennemente e il dramma intaccherà radicalmente i suoi genitori, costringendoli a fare i conti con l’ignorata realtà.

Citazioni

- "Non puoi costringere una donna ad amarti"

Carta d'identità

Titolo originale: Il Papà di Giovanna
Data di uscita (in Italia): Venezia 2008 - 12 Settembre 2008
Genere: Drammatico
Durata: 104'
Regia: Pupi Avati
Cast: Silvio Orlando, Francesca Neri, Ezio Greggio, Alba Rohrwacher, Serena Grandi, Gloria Cocco
Da vedere: poiché questo film, mette alla prova la sensibilità di ognuno. Intimo.

Dalle parole alle immagini

Ci sono trasposizioni e trasposizioni. Lessi "Un giorno perfetto" tre anni fa, non conoscevo Melania Mazzucco ma spesso entro in libreria e mi lascio trasportare dalla copertina o dalle prime righe della trama: non amo informarmi nello specifico di ciò che andrò a leggere (o vedere), non ha senso dare un nome ad un'emozione che si deve ancora vivere.
Dopo quel libro, ne ho letti altri e altri ancora hanno riempito gli scaffali della mia stanza, eppure la linea della storia, la modalità con cui è scritta e le sensazioni che mi hanno toccata sono ancora impresse nella mia memoria. Come a dire che, nonostante il percorso fatto, quel "paesaggio" resta fermo nel cassetto dei ricordi.
Quando ho capito che, l'ultimo lavoro di Ferzan Özpetek, era tratto da quel romanzo ne ero curiosa e spaventata allo stesso modo. E' complicato concretizzare un capolavoro di parole, in immagini altrettanto meritevoli. Aggiungerei, scelta azzardata e per questo encomiabile.
Ho affrontato la visione con un entusiasmo controllato, continuando mio malgrado ad accostare il componimento narrativo a quello cinematografico. Posto il fatto che se non avessi letto il libro, avrei probabilmente criticato la pellicola in maniera differente, questo film mi ha attraversato l'anima.
Sebbene mi sentissi preparata ad affrontare l'impatto doloroso che ne consegue dal tragico epilogo, la commozione mi ha trafitto nell'intimo più profondo, rendedomi molto vulnerabile e scostante. Per questo motivo, ho atteso qualche giorno prima di fermare il vortice di emotività. A mio avviso, il regista ha incentrato gran parte della vicenda sull'atto conclusivo che è poi è il "chiudersi del cerchio" che andava delineandosi durante il film. Cerchio che ha preso vita dalle fragilità di ciascun personaggio: dapprima semplicemente tracciate e poi rifinite con gesti palesi. Al centro di tutto, la sofferenza di Antonio (Valerio Mastandrea), sento ancora l'eco del suo tormento, prima un grido muto e poi un urlo disperato.
Özpetek fa perno sulla consapevolezza degli interpreti: Isabella Ferrari si è trovata spesso ad impersonare ruoli drammatici e l'esperienza si denota. Lo stesso Mastandrea ha le sembianze di un cane innocuo, che improvvisamente viene attraversato da un lampo di follia. Occhi feriti, sguardo vuoto, perennemente incerto sulle responsabilità. Il ruolo di Angela Finocchiaro (non la ricordo assolutamente nel romanzo) dona alla pellicola uno sguardo di speranza, in quella fatidica casualità c'è l'illusione di poter guardare avanti. Le altre vicende, sono piccole realtà intorno ad una grande sofferenza generale.
E infine la morte, emblema della fine di un insopportabile tormento, che però implica creature innocenti: da sottolineare la raffinatezza con cui Özpetek affronta questo istante delicato, l'occhio della telecamera mostra immagini velate da un divano, dalla tv accesa, da una porta socchiusa, oggetti di vita quotidiana contaminati dalla follia. Gli spari, le urla di chi ingenuamente ci aveva creduto e quei corpi esanimi che fai fatica ad accettare.
Dalle retrovie c'era un gruppo di ragazzini che, con tutta probabilità, non aveva idea di quale film si trattasse, più desiderosi dell'intimità che si viene a creare in sala a luci spente. Durante la visione, non hanno fatto altro che rumoreggiare irrequieti, a quindici minuti dal termine del film quello schiamazzo è divenuto un timido mormorio sino a che, al momento più concitato, uno di loro ha urlato "Non farlo". Come se, le loro emozioni, potessero cambiare l'ordine inarrestabile della tragedia che si stava consumando.

Voglio pensare che il cinema sia anche questo. Un incontrollabile impeto di vita vera.

Trama

Antonio, (Valerio Mastandrea) dopo un anno di silenziose sofferenze, decide di riconquistare la fiducia della ex moglie e l'affetto dei due figli. L'Onorevole Elio Fioravanti, si preoccupa dell'incombente comizio elettorale, trascurando la sua giovane moglie Maja (Nicole Grimaudo). Aris (Federico Costantini) si ribella al suo destino di avvocato. La Professoressa Mara (Monica Guerritore) attende con fiducia l'appuntamento con l'amante. Ognuno attore della propria vita, ognuno responsabile delle proprie paure, arrendevole di fronte alle proprie fragilità. Improvvisamente uniti dall'inevitabile destino e spettatori di un imminente e preannunciata tragedia.

Citazioni

- Emma (Isabella Ferrari) "Sai cosa hai fatto? Mi hai fatto venire voglia di vivere... Io vivo, senza di te"
- Antonio (Valerio Mastandrea) "...perchè io non voglio dimenticare, non la voglio una vita nuova, l'unica cosa che voglio io... è tornare con te"

Carta d'identità

Titolo originale: Un giorno perfetto
Data di uscita (in Italia): Venezia 2008- 05 Settembre 2008
Genere: Drammatico
Durata: 105'
Regia: Ferzan Özpetek
Cast: Isabella Ferrari, Valerio Mastandrea, Valerio Binasco, Nicole Grimaudo, Federico Costantini, Monica Guerritore, Angela Finocchiaro, Stefania Sandrelli, Christian Serritiello, Fausto Maria Sciarappa
Da vedere: l'evolversi della vicenda sfocia in una catena crescente di emozioni, tutte da vivere e soffrire. Volutamente alleggerito rispetto al romanzo da cui è tratto, è comunque devastante.

Tra follia e realtà

QUELLO CHE VEDRETE E’ UNA STORIA VERA.
I fatti esposti nel film sono accaduti nel 1987 in Minnesota.
Su richiesta dei superstiti, sono stati utilizzati dei nomi fittizi.
Per rispettare le vittime tutto il resto è stato fedelmente riportato.

Questa Domenica di pioggia, mi ha regalato un (quasi)capolavoro. Quando lavori l’intera settimana, quando riposi poco e pensi molto, necessiti di un (quasi)capolavoro. Il tuo cuore ed i tuoi occhi, bramosi di celluloide, pretendono emozioni.
Quando desideri un bicchiere di latte, non esiti ad aprire il frigo. Quando abbisogno di un Gran film, non dubito nel consultare la filmografia dei Fratelli Coen. Attraverso il consiglio di due Amici (di cui mi fido ciecamente della loro sensibilità cinematografica- e non solo) mi sono imbattuta in una ricerca forsennata di “Fargo”, pareva di chiedere un bicchiere d’acqua gasata con tre cubetti di ghiaccio in mezzo al deserto: un oggetto mai arrivato nemmeno sugli scaffali polverosi delle videoteche italiane, come se non meritasse un posto fra i “Big” Dvd in esposizione. Per fortuna c’è la nuova tecnologia. E gli amici.
Dodici anni fa, i fratelli Coen, hanno realizzato questo semicapolavoro, che mi ha portato alla memoria i fremiti provati per “Non è un Paese per vecchi” (a mio avviso IL capolavoro assoluto). L’ombra di Anton Chigurh è proiettata dietro ad ogni inquietudine, la violenza (fisica e morale) risulta sporadica ma concentrata negli ultimi trenta minuti di film (anziché distribuita equamente lungo tutta la trama) e i fotogrammi cruenti sono più rari ma meno preannunciati: nessun salto di serratura o passi incalzanti di stivali costosi. La follia, però, persiste e aziona nuovamente il gioco irrinunciabile dell’alta tensione: è stavolta dosata, con abilità, a due personaggi di contrasto, un tranquillo venditore di auto Jerry Lundegaard (un bravissimo William H. Macy) costretto a piani criminosi per sviare a problemi economici, e il taciturno (ancora una volta il silenzio. Come se, ogni gesto compiuto- il più delle volte folle – sostituisse le parole non dette) Gaear Grimsrud (interpretato dall’imponente Peter Stomare), un personaggio dallo sguardo vuoto e glaciale (alla Coen, insomma). A proposito di personaggi riusciti, il complice di Grimsrud, è un loquace Steve Buscemi, splendido da scaltro quanto da uomo ferito.
E sono anche le ambientazioni a rendere il tutto follemente riuscito: l’infinita e candida distesa di neve in uno sperduto paese del North Dakota (Fargo, per l’appunto), troppo bianca e mai calpestata per restare tale, prima o poi dovrà cedere sotto il peso della vita vissuta. Il sangue, quel rosso così vivo, è una macchia indelebile sulla pace delle persone coinvolte.
Il personaggio di Marge Gunderson (nella realtà moglie di Joel Coen), è quello che in punta di piedi segna il film: nella sua ingenuità ed inesperienza in campo investigativo, risolve in tutta fortuna, il caso. Mentre trasporta il criminale verso la prigione, il primo piano dei suoi occhi incerti, ci rende vulnerabili: noi spettatori conosciamo la verità ma non la possiamo utilizzare in alcun modo mentre lei, vittima di quella realtà, ne rimane ignara. Siamo immobili come quella statua del taglialegna che dà il benvenuto, in North Dakota, agli automobilisti sconosciuti.
Anche il taglialegna ha la sua fetta di crudeltà: la sua ascia spezza la vita di chi non può difendersi. Ma, di tanto in tanto, può accadere anche che il più debole abbia la meglio sui più forti. Ed allora, la vittoria, avrà un sapore più intenso. Come questo film.

Fedeli Lettori,
questo è cinema…

Trama

Jerry Lundegaard (William H. Macy) è il responsabile delle vendite di una concessionaria del Minneapolis (Minnesota), in proprietà del suocero. Sommerso dai debiti organizza un finto sequestro della moglie, assumendo l’incarico a due criminali del North Dakota. Mentre il piano non prevedeva spargimenti di sangue, la realtà dei fatti avviene con troppi ostacoli che porteranno, ognuna delle persone coinvolte, a cambiare il proprio destino.

Citazioni

- Carl Showalter (Steve Buscemi) "Non è che muori se dici qualcosa" - Gaear Grimsrud (Peter Stomare) "L'ho detta"
- Gaear "Chiudi quella boccaccia o ti rimetto nel portabagagli" - Carl "Caz... hai detto la frase più lunga della settimana"
- Carl "Tu prendi il furgone, io prendo la Sierra" - Gaear "Quella la dividiamo" - "Come caz... facciamo a dividere in due una macchina? Con una motosega?"

Carta d'identità

Titolo originale: Fargo
Titolo italiano: Fargo
Data di uscita (in Italia): 1996
Genere: Drammatico
Durata: 97'
Regia: Joel Coen
Cast: Frances McDormand, Steve Buscemi, William H. Macy, Peter Stormare, Harve Presnell, John Carroll Lynch
Da vedere: a parte qualche film “stonato”, sono sicura che la carriera dei Fratelli Coen è da rivivere tutta d’un fiato. Sorprendente.

Un biglietto per Narnia

I colori. Ecco perché ho scelto queste righe. Prima di aprire di nuovo gli occhi nel mondo di Aslan avevo premeditato di non recensirlo. Non ne sentivo la necessità, pensavo che analizzarlo avrebbe portato a niente. Invece l’esplosione di colori, soprattutto quelli naturali ed autentici, quelli di cui ne sentiamo più il bisogno, mi ha indotto a fermare le emozioni.
Il passaggio verso il mondo di Narnia, non è più l’antico armadio, ma una comune stazione metropolitana londinese che, improvvisamente, diviene grotta. L’attesa è breve, qualche minuto di riscaldamento tanto per fare il punto della situazione, e Narnia si spalanca sotto i nostri occhi. La neve, che tanto ha contribuito a rendere magico un mondo che già lo è, non c’è più. A sorprenderci è il blu infinito del mare e il verde brillante della natura, la telecamera esplora piccoli angoli dell’Isola, facendoci sentire non solo in un sogno ma anche nel posto giusto.
La visione è piacevole, soprattutto per chi ha seguito (ed amato) il primo episodio della saga (“Le Cronache di Narnia - Il leone, la strega e l'armadio”), diventa imperdibile quando (come nel mio caso) si amano le composizioni di Harry Gregson-Williams, il romanzo di C. S. Lewis e le storie fantastiche. Rispetto all’avventura precedente, il regista (lo stesso, Andrew Adamson), adotta una strategia differente, basata sull’immediatezza: la trama vira quasi senza indugio sul tono battagliero, caratterizzando questa favola dal sapore dolce con toni un po’ più forti. Di fatto, notiamo una grinta che nel primo episodio non c’era: ogni personaggio, seppur restando fragile nella loro giovane età, acquista una sicurezza non arrogante, ma doverosa. Si carica di autoironia, ripensando per esempio al piccolo topo condottiero: tanto coraggio in un corpo così piccolo. Si arricchisce di nuovi personaggi (il Principe Caspian – che dà nome all’episodio – è interpretato da Ben Barnes, nuovo idolo delle ragazzine statunitensi), rispolvera i vecchi (piccola, ma preziosa, comparsa della Strega Bianca - Tilda Swinton).
In definitiva, una pellicola gradevole che apre elegantemente la mia personale nuova stagione cinematografica dopo la pausa estiva e che ci compiace anche di due presenze italiane: Pierfrancesco Favino e Sergio Castellitto, quest’ultimo nel ruolo del crudele Re Miraz.
Piccola richiesta che giro immediatamente a Voi lettori: se andassi a chiedere, nell’agenzia viaggi più vicina, un pacchetto All Inclusive destinazione “Narnia”?!
{Curiosità seria: le principali location sono in Nuova Zelanda, Repubblica Ceca, Slovenia e Polonia. Il regista, per trovare le più adatte, ha girato tutti i cinque continenti}

Trama

Mentre la Gran Bretagna è impegnata nella Seconda Guerra Mondiale, Peter, Edmund, Susan e Lucy cercano di tornare alla vita normale dopo la meravigliosa avventura a Narnia. A un anno di distanza, però, qualcosa (o meglio, qualcuno: il Principe Caspian) li richiama in quel mondo fantastico: la vita degli abitanti di Narnia è minacciata dai Telmarini.
Il Popolo di Narnia, rinforzato dai loro Sovrani, si prepara ad un’epica battaglia per tutelare la libertà del loro incantevole Mondo.

Citazioni

- Aslan “Le cose non avvengono mai 2 volte nello stesso modo”
- Peter (William Moseley): “Non siete stanchi di essere trattati come ragazzini?”- Edmund (Skandar Keynes): Edmund “Noi siamo ragazzini”
- Peter:"Piacere, sono Re Peter il magnifico "- Susan (Anna Popplewell) "L'ultimo appellativo potevi anche evitarlo"
- Scena finale, Lucy (Georgie Henley) : capirò quando sarò più grande ne sono sicura - Edmund: io sono più grande ma non so se voglio capire”

Carta d'identità

Titolo originale: The Chronicles of Narnia: Prince Caspian
Titolo italiano: Le cronache di Narnia: Il principe Caspian
Data di uscita (in Italia): 14 Agosto 2008
Genere: Avventura, Fantastico
Durata: 145'
Regia: Andrew Adamson
Cast: Liam Neeson, Ben Barnes, Warwick Davis, Georgie Henley, Skandar Keynes, William Moseley, Anna Popplewell, Ben Barnes, Sergio Castellitto, Alicia Borrachero, Peter Dinklage, Pierfrancesco Favino
Da vedere: per chi crede che i sequel mancano di qualità (generalizzo), questa è l’eccezione che conferma la regola. Incantevole, non solo per il genere, ma anche per lo scenario. Mozzafiato. Prossima destinazione, Nuova Zelanda.

La maledizione di Batman

New York, 22 Gennaio 2008. Heath Ledger viene trovato morto nel suo appartamento di SoHo. La causa della morte viene resa ufficiale dalla polizia il 6 Febbraio: avvelenamento determinato accidentalmente dalla combinazione di sonniferi ed ansiolitici.
Londra, 22 Luglio 2008. Christian Bale viene arrestato per violenza ai danni della madre e della sorella e poi rilasciato su cauzione.
Italia, 23 Luglio 2008. “Il Cavaliere Oscuro” esce in tutte le sale cinematografiche.
Ancor prima di essere visto, questo film faceva discutere.
Personalmente, tutto questo clamore, non mi ha mai minimamente sfiorata, se non per la prematura scomparsa del giovane Ledger (interprete, per altro, che non ho mai seguito con sincero trasporto). Vedere la nuova avventura dell’eroe mascherato targata Christopher Nolan [a proposito, “padre” dello splendido (lo ribadisco) “The Prestige”] fa parte di quelle azioni dettate dal caso, compiute per automatismo, per una generale e sana passione cinematografica, più che per vero interesse.
Ed è proprio per questo mio atteggiamento precocemente cinico, che la pellicola mi è “esplosa” in faccia con la sua crudeltà ed il suo dinamismo. Come già in più occasioni vi ho spiegato, amo i contrasti: due soggetti completamente diversi, impossibili da armonizzare eppure così vicini. Nera (come la notte, a cui si affidano maggiormente le riprese. Le ambientazioni di Gotham – soprattutto le riprese dall’alto - tolgono semplicemente il fiato. I vicoli bui e sconosciuti, danno un senso di oppressione, sgominata soltanto dalle luci artificiose della città o da quelle incantevoli di un alba) è l’armatura di Batman (Christian Bale), eroe a cui affidiamo le nostre speranze. Bianco (comunemente simbolo di purezza) è il volto dipinto di Joker (Heath Ledger): personaggio di un’ossessiva malvagità, che si nutre della (nostra/loro) paura. Ed è proprio quest’ultimo a rendere la trama, già interessante, in uno spettacolo senza confini. Facciamo correre i nostri sguardi sul grande schermo per scovare ogni traccia di lui: quando è assente lo invochiamo, quando c’è sentiamo l’alito della paura sfiorarci il collo. Lo si osserva, lo si studia, lo si asseconda, eppure ci rimane sconosciuto. Inquietante nell’oscurità, ma lo è ancora di più nei rari momenti di luce. Alla fine ci sentiamo anche colpevoli di questo rapporto morboso, ma la sua ambiguità ha un potere inalienabile. Poi c’è il vero volto di Joker, colui che gli presta un corpo, una voce, un’anima: dietro quella maschera c’è Heath Ledger, l’eterno secondo (colpa di scelte sbagliate e della sfortuna), ma che in questo ruolo per nulla semplice riesce a mostrare talento e caparbietà. Espressività facciale sopra ogni cosa, rapisce e turba - a proposito di contrasti. Complice di questo personaggio riuscito è anche la voce di Adriano Giannini (figlio dell’attore Giancarlo), limpida e sicura, senza sbavature.
Potrei soffermarmi sul corposo e potente cast (lo stesso Bale, Morgan Freeman, Aaron Eckhart) o su scene impeccabili e ad effetto (come quella finale, del detenuto di colore che prende in mano il detonatore ed anche la vita di milioni di persone) o anche solo sulle emozioni provate. In realtà, mi fermo qui, poiché spesso esistono limiti invalicabili che vanno rispettati: in una situazione come questa le parole rischiano di minimizzare le emozioni, che invece di venir comprese vanno vissute.

"Non sono bravo a fare progetti, non programmo mai nulla. Non ho un'agenda né un diario. Vivo esclusivamente nel presente. Non nel passato, e nemmeno nel futuro".
Così parlava Heath Ledger, riguardo alla sua carriera. Io sono convinta che, dopo questa interpretazione, non meriti una semplice ovazione, o un riconoscimento postumo, ma molto molto di più: l’eternità.

Trama

Gotham City è di nuovo minacciata dalla malvagità. Per l’uomo pipistrello (Christian Bale) non si tratta semplicemente di ripulire le strade dai criminali, ma dalla follia del suo nemico numero uno: Joker (Heath Ledger).

Citazioni

- Harvey Dent (Aaron Eckhart) “O muori da eroe, o vivi tanto a lungo da diventare cattivo".
- Joker (Heath Ledger) "Mettiamo un sorriso su questa faccia"
- Joker “Questa città merita un criminale di maggior classe... glielo darò”
- Harvey Dent “La notte è più buia prima dell'alba e ve lo prometto... l'alba sta per arrivare”
- Joker "Chissà! Forse siamo destinati a lottare per sempre"
- Joker “L'unica regola della vita, è vivere senza regole”
- Joker “Senza di me non sapresti più che fare. E io senza di te non mi divertirei più. Ecco perchè non ci uccideremo mai”
- Joker “La follia è come la gravità, basta una piccola spinta”
- Joker "Sono come un cane che insegue un automobile. La inseguirò di continuo, ma quando la prenderò non saprò cosa farmene”
- Joker “Ecco cosa succede quando una forza irrefrenabile incontra un oggetto inamovibile”
- Joker “Non voglio ucciderti. Tu mi completi”
- Joker “Se sei bravo a fare una cosa, mai farla gratis!”
- Batman/Bruce Wayne (Christian Bale) “Io dovevo ispirare il bene, non la follia e il male”
- Alfred (Michael Caine) “Certi uomini vogliono solo vedere bruciare il mondo”
- Due facce "Il caso può dare una mano..."
- Bruce Wayne “La gente ha bisogno che la propria fiducia venga ricompensata”
- Rachel (Maggie Gyllenhaal) "Non voglio essere la tua unica speranza di una vita normale"
- James Gordon (Maggie Gyllenhaal) "Batman è l'eroe che Gotham si merita, ma di cui non ha bisogno in questo momento..Perchè lui può sopportarlo...E' un vigilante che vaga nell'ombra...E' un Cavaliere Oscuro"

Carta d'identità

Titolo originale: The Dark Knight
Titolo italiano: Il Cavaliere Oscuro
Data di uscita (in Italia): 23 Luglio 2008
Genere: Azione, Drammatico, Thriller
Durata: 152'
Regia: Christopher Nolan
Cast: Christian Bale, Heath Ledger, Gary Oldman,Michael Caine, Morgan Freeman, Maggie Gyllenhaal, Aaron Eckhart, Eric Roberts
Da vedere: volente o nolente, chi ama l'uomo pipistrello, la nuova avventura, la segue con passione; chi lo conosce solo per fama, viene spinto da una sorta di interesse dettato dai fatti di cronaca estranei alla trama (citati nel preambolo). Fame di curiosità che viene saziata pienamente (in entrambi i casi), sia per il contenuto (intelligente e poco scontato) che per gli interpreti (plauso speciale al più volte segnalato Ledger). Intelligente.

La promessa di… Cronenberg

Ridestarsi dopo una notte come la scorsa rende una qualunque giornata lavorativa, un po’ meno detestabile. La sensazione è la medesima di quando si esce da una doccia fredda in un pomeriggio afoso, non so se mi spiego. Una notte di quelle utili, con poco sonno, meno tempo sottratto al vivere, più emozioni da ricordare. Mi ha svegliata un temporale. Di quelli infiniti, dove ti aspetti che da un momento all’altro arrivi Noè e ti inviti a salire sull’Arca. Dopo una lunga contemplazione al cielo lampeggiante e, dopo aver constatato che nemmeno stavolta Noè sarebbe arrivato, ho avuto l’ispirazione: David Cronenberg meritava di accompagnare quelle sensazioni, quell’atmosfera magicamente tempestosa. Si meritava quella notte.
Il regista canadese ha fatto il suo glorioso ingresso nella mia vita esattamente sei anni fa, con “Spider”. Dal 2002, al suo nome, il tappetino rosso è dovere oltre che piacere. Riconferma tre anni più tardi nel suo lavoro che (per ora) ho amato di più, “A History Of Violence”: dal 2005, al suo nome, tappetino rosso e fanfara. Senza remore.
Dalla notte scorsa, corona e scettro.
Standing ovation per la mescolanza perfetta di violenza, amore, odio, morte, intolleranza. Per i colori, prevalentemente scuri, con dominanza del nero (la crudeltà) e del rosso (il sangue). Applausi scroscianti per la scelta del cast: una dolcissima Naomi Watts, nei panni di un’ostetrica dal cuore (troppo) sensibile – colpisce dritto al cuore la fragilità di donna dall’istinto materno, con quanto amore accarezza una neonata senza identità. Un sublime Viggo Mortensen, un po’ autista, un po’ carnefice (o forse no), personaggio che si incastra perfettamente con i suoi occhi glaciali. Il folle Vincent Cassel, una personalità ambigua, stretto nella morsa del potere paterno, intrappolato nelle sue paure, vittima della bottiglia e della bella vita.
Ciascun personaggio vive il suo personale incontro con la malavita (in questo caso russa) e noi ne seguiamo ogni prospettiva. Ma soprattutto, questa pellicola, conserva una scena di violenza così coinvolgente da sentirsi complici di quelle ferite, di quei pugni, del pavimento freddo di una sauna russa: Nickolai (Viggo Mortensen) affronta due malviventi completamente nudo. Questo corpo senza veli, interamente esposto alla violenza dei due omaccioni, trasmette dapprima disagio e poi vigore. Lo scenario non è accompagnato da alcun suono di carattere musicale, i soli rumori sono quelli dei colpi sferrati, del dolore e del movimento di ciascun interprete. Una delle scene meglio riuscite che i miei occhi da spettatrice cinematografica possano ricordare.
Dal libro “Duma Key” di Stephen King che sto leggendo ora, sono incappata in questa frase “L’arte è magia, non si discute, ma tutte le forme artistiche, per quanto strane, cominciano dall’umile quotidiano”. Stupiscimi ancora, David.
Ah, dimenticavo…
Assicurarsi che il trono sia comodo, affinché il sovrano Cronenberg non si stanchi di stare seduto lì. Io, di essere sua seguace, mai.
Lunga vita al Re.

Trama

La vita di Anna (Naomi Watts), un’ostetrica londinese, cambia radicalmente quando si trova a dover prestare soccorso ad una bambina di 14 anni incinta ed in pericolo di vita. La vicenda si conclude con la morte della madre ed il salvataggio della neonata. Anna, si prende cura della piccola orfana e, inevitabilmente, si trova ad amarla come la figlia che non ha mai avuto. Intenzionata a trovare la sua vera famiglia d’origine, dalla borsa della madre, trova un diario. Questo immobile oggetto, nasconde al su interno una verità sconvolgente che porterà Anna nelle fameliche fauci della mafia russa.

Citazioni

- Anna (Naomi Watts) “Spesso nascita e morte vanno a braccetto”
- Nickolai (Viggo Mortensen) “Rimani ancora viva per un po’…”
- Nickolai “Come posso diventare Re, se il Re è ancora al suo posto”
- Nickolai “Noi non uccidiamo i bambini…”
- Nickolai ad Anna “Il tuo posto è lì dentro, con le persone perbene…”
- Anna "Io sono una levatrice" - Semyon (Armin Mueller-Stahl) "Mmm... quindi, a meno che una delle mie figlie non mi nasconda qualcosa... lei ha sbagliato indirizzo"

Carta d'identità

Titolo originale: Eastern Promises
Titolo italiano: La promessa dell'assassino
Data di uscita (in Italia): 14 Dicembre 2007 - Nomination all'Oscar 2008
Genere: Drammatico, Thriller
Durata: 100'
Regia: David Cronenberg
Cast: Naomi Watts, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Raza Jaffrey, Radoslaw Kaim, Cristina Catalina, Alice Henley, Tamer Hassan, Gergo Danka.
Da vedere: Cronenberg è una garanzia. La sequenza di combattimento sopracitata è un'autentica emozione. Non delude mai.

La forza della musica

Questa pellicola non ha (quasi) nulla di straordinario. Di frequente scende anche al di sotto dell’ordinario: eccessive ambientazioni buie, lentezze impossibili da digerire, saltuariamente ci siede accanto la noia. Più volte ho trattenuto uno sbadiglio. Avrei potuto praticare del bricolage nei tempi “morti” e talmente “diversi” da sembrare parti integranti di un’altra “favola”.
Poi c’è l’altra faccia della luna, quella visibile solo agli occhi dei sognatori: una fiaba a colori in una trama in bianco e nero, un’esplosione di emozioni, di brividi intrattenibili sulla pelle.
Una vecchia (e un po’ stonata) chitarra accompagna la voce stropicciata e dolce del malinconico Glen Hansard (leader dei Frames): i suoi occhi, profondamente tristi, sono il riflesso di chi desidera un orizzonte differente da quello che osserva ogni giorno. Indelebile il fotogramma del suo sguardo ammaliato mentre l’amica suona furtivamente un pianoforte. Il personaggio femminile è la giovane artista ceca Marketa Irglova: voce leggera, ombra che accompagna quella di Hansard, i tasti bianchi e neri semplicemente sfiorati come avesse paura di risultare invadente. La magia del duo sta in questa perfetta complementarietà. L’uno che integra l’altro attraverso l’unico linguaggio universale che li rende uomini: la musica. Musica suonata per le vie della grigia Dublino (che prima o poi, lo prometto a me stessa, visiterò), musica rubata ad un pianoforte sconosciuto, musica che unisce, musica che dona autentica felicità.
Lui, riservato e pavido, trova in lei il coraggio di crederci. Lei, sola e coraggiosa, trova in lui l’amore che non ha mai avuto. Amore senza baci, senza un letto da condividere ma espresso in note e sguardi silenziosi. Unione senza corpi nudi, ma di voci soavi a sfiorare ogni centimetro di pelle.
“Once”, inteso come disco e non come pellicola, lo acquistai circa quattro mesi fa., dopo che a “Falling Slowly” fu assegnato l’Oscar come “Miglior Canzone Originale”. Da quella notte del 24 Febbraio, non ho saputo rinunciare mai all’ascolto quotidiano di questo pezzo.
La visione del film, invece, mi ha permesso di rivalutare (ed apprezzare maggiormente) “Say It To Me Now”: la voce di Hansard acquista energia dalla disperazione, dalle delusioni, dalle ferite ancora aperte. Il primo fotogramma ci regala questo pezzo, eseguito in strada, in perfetta solitudine. Un’interpretazione interamente dedicata allo spettatore. A lui il compito di scegliere fra l’abbandonarsi al tumulto di sensazioni che questo pezzo per primo, e di seguito altri, sprigiona o annoiarsi sino a non poterne più.
Personalmente, da quel 24 Febbraio, ho deciso di ascoltare questi due artisti che, senza pretese e umilmente, hanno deciso di dar voce ad un sogno.
Anche io, come i due protagonisti, ho deciso di abbracciare l’oceano e lanciare lo sguardo verso il loro stesso orizzonte. Ho annusato il profumo dolce della felicità, indipendentemente da ciò che troverò, aver aperto le ali è già una vittoria.

Trama

Lui (Glen Hansard) ha il talento. Lei (Marketa Irglova) ha il coraggio. La favola di questi due sconosciuti che, unendo i loro destini, corrono incontro ad un sogno. Dublino rende tutto ancor più magico.

Citazioni

- (Glen Hansard) "Cosa ne pensi? Ti piace papà? E' soltanto una demo..."- (Bill Hodnett) "E' dannatamente bella..."

Carta d'identità

Titolo originale: Once

Titolo italiano: Once

Data di uscita (in Italia): Oscar 2008 "Miglior canzone originale" - 30 Maggio 2008

Genere: Romantico, Musicale

Durata: 85'

Regia: John Carney

Cast: Glen Hansard, Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerard Hendrick, Alaistair Foley, Geoff Minogue, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova

Da vedere: poiché la colonna sonora ha moltissimo da regalare. Musical atipico in stile documentaristico.