La promessa di… Cronenberg

Ridestarsi dopo una notte come la scorsa rende una qualunque giornata lavorativa, un po’ meno detestabile. La sensazione è la medesima di quando si esce da una doccia fredda in un pomeriggio afoso, non so se mi spiego. Una notte di quelle utili, con poco sonno, meno tempo sottratto al vivere, più emozioni da ricordare. Mi ha svegliata un temporale. Di quelli infiniti, dove ti aspetti che da un momento all’altro arrivi Noè e ti inviti a salire sull’Arca. Dopo una lunga contemplazione al cielo lampeggiante e, dopo aver constatato che nemmeno stavolta Noè sarebbe arrivato, ho avuto l’ispirazione: David Cronenberg meritava di accompagnare quelle sensazioni, quell’atmosfera magicamente tempestosa. Si meritava quella notte.
Il regista canadese ha fatto il suo glorioso ingresso nella mia vita esattamente sei anni fa, con “Spider”. Dal 2002, al suo nome, il tappetino rosso è dovere oltre che piacere. Riconferma tre anni più tardi nel suo lavoro che (per ora) ho amato di più, “A History Of Violence”: dal 2005, al suo nome, tappetino rosso e fanfara. Senza remore.
Dalla notte scorsa, corona e scettro.
Standing ovation per la mescolanza perfetta di violenza, amore, odio, morte, intolleranza. Per i colori, prevalentemente scuri, con dominanza del nero (la crudeltà) e del rosso (il sangue). Applausi scroscianti per la scelta del cast: una dolcissima Naomi Watts, nei panni di un’ostetrica dal cuore (troppo) sensibile – colpisce dritto al cuore la fragilità di donna dall’istinto materno, con quanto amore accarezza una neonata senza identità. Un sublime Viggo Mortensen, un po’ autista, un po’ carnefice (o forse no), personaggio che si incastra perfettamente con i suoi occhi glaciali. Il folle Vincent Cassel, una personalità ambigua, stretto nella morsa del potere paterno, intrappolato nelle sue paure, vittima della bottiglia e della bella vita.
Ciascun personaggio vive il suo personale incontro con la malavita (in questo caso russa) e noi ne seguiamo ogni prospettiva. Ma soprattutto, questa pellicola, conserva una scena di violenza così coinvolgente da sentirsi complici di quelle ferite, di quei pugni, del pavimento freddo di una sauna russa: Nickolai (Viggo Mortensen) affronta due malviventi completamente nudo. Questo corpo senza veli, interamente esposto alla violenza dei due omaccioni, trasmette dapprima disagio e poi vigore. Lo scenario non è accompagnato da alcun suono di carattere musicale, i soli rumori sono quelli dei colpi sferrati, del dolore e del movimento di ciascun interprete. Una delle scene meglio riuscite che i miei occhi da spettatrice cinematografica possano ricordare.
Dal libro “Duma Key” di Stephen King che sto leggendo ora, sono incappata in questa frase “L’arte è magia, non si discute, ma tutte le forme artistiche, per quanto strane, cominciano dall’umile quotidiano”. Stupiscimi ancora, David.
Ah, dimenticavo…
Assicurarsi che il trono sia comodo, affinché il sovrano Cronenberg non si stanchi di stare seduto lì. Io, di essere sua seguace, mai.
Lunga vita al Re.

Trama

La vita di Anna (Naomi Watts), un’ostetrica londinese, cambia radicalmente quando si trova a dover prestare soccorso ad una bambina di 14 anni incinta ed in pericolo di vita. La vicenda si conclude con la morte della madre ed il salvataggio della neonata. Anna, si prende cura della piccola orfana e, inevitabilmente, si trova ad amarla come la figlia che non ha mai avuto. Intenzionata a trovare la sua vera famiglia d’origine, dalla borsa della madre, trova un diario. Questo immobile oggetto, nasconde al su interno una verità sconvolgente che porterà Anna nelle fameliche fauci della mafia russa.

Citazioni

- Anna (Naomi Watts) “Spesso nascita e morte vanno a braccetto”
- Nickolai (Viggo Mortensen) “Rimani ancora viva per un po’…”
- Nickolai “Come posso diventare Re, se il Re è ancora al suo posto”
- Nickolai “Noi non uccidiamo i bambini…”
- Nickolai ad Anna “Il tuo posto è lì dentro, con le persone perbene…”
- Anna "Io sono una levatrice" - Semyon (Armin Mueller-Stahl) "Mmm... quindi, a meno che una delle mie figlie non mi nasconda qualcosa... lei ha sbagliato indirizzo"

Carta d'identità

Titolo originale: Eastern Promises
Titolo italiano: La promessa dell'assassino
Data di uscita (in Italia): 14 Dicembre 2007 - Nomination all'Oscar 2008
Genere: Drammatico, Thriller
Durata: 100'
Regia: David Cronenberg
Cast: Naomi Watts, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Raza Jaffrey, Radoslaw Kaim, Cristina Catalina, Alice Henley, Tamer Hassan, Gergo Danka.
Da vedere: Cronenberg è una garanzia. La sequenza di combattimento sopracitata è un'autentica emozione. Non delude mai.

La forza della musica

Questa pellicola non ha (quasi) nulla di straordinario. Di frequente scende anche al di sotto dell’ordinario: eccessive ambientazioni buie, lentezze impossibili da digerire, saltuariamente ci siede accanto la noia. Più volte ho trattenuto uno sbadiglio. Avrei potuto praticare del bricolage nei tempi “morti” e talmente “diversi” da sembrare parti integranti di un’altra “favola”.
Poi c’è l’altra faccia della luna, quella visibile solo agli occhi dei sognatori: una fiaba a colori in una trama in bianco e nero, un’esplosione di emozioni, di brividi intrattenibili sulla pelle.
Una vecchia (e un po’ stonata) chitarra accompagna la voce stropicciata e dolce del malinconico Glen Hansard (leader dei Frames): i suoi occhi, profondamente tristi, sono il riflesso di chi desidera un orizzonte differente da quello che osserva ogni giorno. Indelebile il fotogramma del suo sguardo ammaliato mentre l’amica suona furtivamente un pianoforte. Il personaggio femminile è la giovane artista ceca Marketa Irglova: voce leggera, ombra che accompagna quella di Hansard, i tasti bianchi e neri semplicemente sfiorati come avesse paura di risultare invadente. La magia del duo sta in questa perfetta complementarietà. L’uno che integra l’altro attraverso l’unico linguaggio universale che li rende uomini: la musica. Musica suonata per le vie della grigia Dublino (che prima o poi, lo prometto a me stessa, visiterò), musica rubata ad un pianoforte sconosciuto, musica che unisce, musica che dona autentica felicità.
Lui, riservato e pavido, trova in lei il coraggio di crederci. Lei, sola e coraggiosa, trova in lui l’amore che non ha mai avuto. Amore senza baci, senza un letto da condividere ma espresso in note e sguardi silenziosi. Unione senza corpi nudi, ma di voci soavi a sfiorare ogni centimetro di pelle.
“Once”, inteso come disco e non come pellicola, lo acquistai circa quattro mesi fa., dopo che a “Falling Slowly” fu assegnato l’Oscar come “Miglior Canzone Originale”. Da quella notte del 24 Febbraio, non ho saputo rinunciare mai all’ascolto quotidiano di questo pezzo.
La visione del film, invece, mi ha permesso di rivalutare (ed apprezzare maggiormente) “Say It To Me Now”: la voce di Hansard acquista energia dalla disperazione, dalle delusioni, dalle ferite ancora aperte. Il primo fotogramma ci regala questo pezzo, eseguito in strada, in perfetta solitudine. Un’interpretazione interamente dedicata allo spettatore. A lui il compito di scegliere fra l’abbandonarsi al tumulto di sensazioni che questo pezzo per primo, e di seguito altri, sprigiona o annoiarsi sino a non poterne più.
Personalmente, da quel 24 Febbraio, ho deciso di ascoltare questi due artisti che, senza pretese e umilmente, hanno deciso di dar voce ad un sogno.
Anche io, come i due protagonisti, ho deciso di abbracciare l’oceano e lanciare lo sguardo verso il loro stesso orizzonte. Ho annusato il profumo dolce della felicità, indipendentemente da ciò che troverò, aver aperto le ali è già una vittoria.

Trama

Lui (Glen Hansard) ha il talento. Lei (Marketa Irglova) ha il coraggio. La favola di questi due sconosciuti che, unendo i loro destini, corrono incontro ad un sogno. Dublino rende tutto ancor più magico.

Citazioni

- (Glen Hansard) "Cosa ne pensi? Ti piace papà? E' soltanto una demo..."- (Bill Hodnett) "E' dannatamente bella..."

Carta d'identità

Titolo originale: Once

Titolo italiano: Once

Data di uscita (in Italia): Oscar 2008 "Miglior canzone originale" - 30 Maggio 2008

Genere: Romantico, Musicale

Durata: 85'

Regia: John Carney

Cast: Glen Hansard, Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerard Hendrick, Alaistair Foley, Geoff Minogue, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova

Da vedere: poiché la colonna sonora ha moltissimo da regalare. Musical atipico in stile documentaristico.

Anche i geni sbagliano

Esiste un confine sottilissimo fra genialità e banalità. Accade, a volte, di essere ingegnosi a tal punto, da non sapersi ripetere più.
E’ il caso di M. Night Shyamalan, padre di una pellicola straordinaria ed affascinante come “Il sesto senso”. Un film dalle sensazioni ineguagliabili.
Dallo stesso creatore ci si aspetta quindi lavori, se non di pari livello, almeno di ottima qualità. Shyamalan si porta appresso l’assoluta certezza di saper stupire ereditata, appunto, dalle sue opere prime. Pare invece che, seppur l’originalità resta un fattore immutato, la sostanza si perda per strada.
Si potrebbe parlare di una pellicola eccellente se venissero presi in esame trama e fotogrammi: il regista ha, infatti, un’indiscutibile capacità di ripresa. La mescolanza perfetta di colonna sonora (ancora una volta firmata da James Newton Howard, impeccabile inutile a dirsi), immagini (saltuariamente, lampi di pura violenza ma che si rendono necessari per unire il tragico al tragico) ed elementi scenici (sublime, per esempio, l’atmosfera che si crea nella casa dell’anziana signora) danno origine a particelle ricche di suspance che si aggirano in sala facendo sobbalzare lo spettatore di frequente.
L’altra faccia della medaglia, mio malgrado, è imperdonabile. Dialoghi a volte incomprensibili, estrema lentezza, gli stessi attori spesso lasciati soli nelle loro espressioni inebetite. Il principio morale (lo stesso oramai da tempo: quello della natura messa in grave pericolo dall’uomo, a tal modo da aver raggiunto il punto di non ritorno) ci ha un po’ stancati. Dovremmo sentirci minacciati e colpevoli, non annoiati e delusi.
Inoltre, il movente stesso che viene dapprima scambiato per attacco terroristico e solo in un secondo tempo appurato come catastrofe naturale, sembra acquistare meno valore con l’evolversi della vicenda. Prende importanza la storia d’amore tra i due protagonisti, inizialmente poco più che ignorata. Credo manchi di quell’equilibrio necessario affinché una storia così irreale, non diventi assurda.
E poi ci siamo noi, amanti senza tempo del regista indiano. Fanatici, al limite del maniacale, del colpo di scena “shyamalaniano”. La “non-imprevedibilità” (non parlerei di “prevedibilità”) influisce negativamente sul giudizio ultimo. Diveniamo spettatori illusi con lo sguardo all’insù, verso quel grande schermo fonte di batticuori e sussulti, in attesa di un effetto a sorpresa che non arriverà mai (l’assenza della sorpresa stessa può rivelarsi un colpo di scena).
Decisamente inappagante, quindi, poiché da un autore dall’estro di Shyamalan ci si aspetta molto di più.
Fortunatamente non ho guadagnato l’uscita camminando all’indietro.
“Bicicletta…”
“Bicicletta…”
“Bicicletta…”

Trama

Una tossina mette in grave pericolo il Nord-Est degli Stati Uniti. “E venne il giorno” è l’avvincente storia di una famiglia che tenta di scampare alla minaccia. Ennesima denuncia verso un mondo che, silenziosamente, procede il cammino verso la sua fine. Che sia lontano o lontanissimo pare che, “quel giorno”, arriverà comunque.

Citazioni

- “Il mondo non si interessa di me, io non mi interesso di lui”
- “Qualcuno insegue sempre qualcuno, è così che siamo fatti”

Carta d'identità

Titolo originale: The Happening
Titolo italiano: E venne il giorno
Data di uscita (in Italia): 12 Giugno 2008
Genere: Drammatico, Thriller
Durata: 91'
Regia: M. Night Shyamalan
Cast: Mark Wahlberg, Spencer Breslin, John Leguizamo, Zooey Deschanel, Tony Devon, Betty Buckley, Frank Collison, Victoria Clark, Jeremy Strong, Stéphane Debac
Da vedere: classica pellicola di “un nome, una garanzia”. Nonostante tutto, questo film è da considerarsi imperdibile. Nonostante tutto. Originale.

Incubo senza fine e tempo

Gomorra, è stata una delle mitiche "cinque città della pianura" (la più nota delle quali è Sodoma), distrutte da Dio, secondo la narrazione della Bibbia, per la "corruzione" dei loro abitanti. Tratto da: www.wikipedia.it

Uomini corrotti. Pedine di un gioco pericoloso, sin dalla prima mossa. Schiavi della propria ombra. Vittime di un mondo sporco. Plasmati verso la violenza, il potere, la ricchezza ignobile sin dalla pubertà.
E purtroppo non è il risultato di una fantasia perversa, ma piuttosto di una folle realtà. Quella dei giorni nostri, troppe volte taciuta benché conosciuta in ogni angolo di mondo.
“Gomorra” non è la pellicola cruenta dalla quale scorre sangue inutile, non è semplicemente il “film evento” che ha sbalordito Cannes e la storia tratta dal libro-scandalo di Roberto Saviano: “Gomorra” è “le storie”.
E’ la lente d’ingrandimento sopra quel mondo che preferiamo osservare da lontano. E’ il dito puntato verso una realtà che tendiamo a nascondere dietro di esso. E’ la nostra stessa paura di uomini deboli. Manteniamo fede, dunque, al dovere di spettatore usuale: sussultiamo sentendo uno sparo improvviso, sorprendiamoci davanti ad una mazzetta corposa, restiamo increduli di fronte al giro vizioso di droga e immoralità che alberga indisturbata nei vicoli cittadini. Usciamo dalla sala e buttiamo ogni fotogramma alle spalle. Tanto non cambia nulla. Tanto…
La mafia è il cancro che non regredisce. E’ quel male che non trova cura. Nonostante i potenti si sentano medici santoni, la camorra continua placidamente il suo percorso. Carneficine in piena regola consumate in sobborghi immersi nei consueti doveri cittadini, vittime “colpevoli” soltanto di essere conoscenti di “amici-dei cugini-degli zii-del fratello” di un pentito. Uomini costretti ad avere paura di un motorino che si affianca all’auto, a rifugiarsi dietro alle tapparelle della propria abitazione, a cercare riparo dietro la propria precaria innocenza.
Uomini che, per sentirsi tali, mettono a repentaglio ogni dignità. Uomini privi di moralità: anche davanti ad un ragazzino che si crede adulto.
E scusate se non ho menzionato un bravissimo Toni Servillo, o una Napoli grigia e malinconica rinchiusa nei propri ghetti. Perdonate se non ho citato qualità tecniche e artistiche.
Ma, in questo caso, preferisco dar luce solo ed esclusivamente alle sensazioni che mi hanno sfiorato la pelle. E se, tra queste, ha prevalso la rabbia significa che “Gomorra” mi ha raggiunto come doveva.
E perché questa rabbia, mista a paura, non riusciamo a proiettarla anche nella realtà? Non una ma migliaia di angosce servirebbero, se non a fermare, per lo meno a far tremare questa triste e inguaribile realtà.

Trama

Entriamo, attraverso punti di vista differenti, nel mondo corrotto della camorra napoletana. Un film-documentario che denuncia una realtà troppo spesso taciuta e che, stavolta, viene fronteggiata tramite l’occhio sincero di Matteo Garrone. Pellicola tratta dall’omonimo libro di Roberto Saviano.

Citazioni

- "Noi risolviamo problemi creati da altri"

Carta d'identità

Titolo originale: Gomorra
Data di uscita (in Italia): Cannes 2008 - 16 Maggio 2008
Genere: Drammatico
Durata: 140'
Regia: Matteo Garrone
Cast: Toni Servillo, Gianfelice Imparato
Da vedere: mi aspettavo un film straordinario per contenuti e tecnica (considerata la pubblicità che ha preceduto l’uscita nelle sale). Un film che resta importante per ciò che affronta, ma che segue (quasi eccessivamente) il filone di un documentario. Coraggioso.

Il ritorno di Indy

Lo ricordo come fosse ieri (a volte il tempo sembra non essere passato mai, in altre occasioni sembra invece inarrestabile e quasi beffardo: credo dipenda dal nostro stato d’animo e da cosa vogliamo effettivamente richiamare alla memoria), ancora abitavo nella vecchia casa ed ancora condividevo la stanza con mio fratello (vivevamo nell’ingenuità di quegli anni, dove a riempire le nostre giornate c’erano il pane e la “Nutella”, i quaderni a quadretti ed il tappeto in mezzo alla stanza, su cui sbucciarsi le ginocchia e sognare di diventare adulti). Sulla parete (quella in corrispondenza del suo letto) vi erano due chiodi: uno reggeva un cappello marrone, l’altro una frusta.
Quando il tappeto non ci bastava più, divano e tivù erano degni sostituti e quasi sempre il videoregistratore (perché i Dvd ancora non esistevano) inghiottiva la trilogia dell’archeologo sempre in cerca di geroglifici, templi e crociate. La trama in sé mi rimaneva oscura ogni volta (credo di essere stata la pedante spettatrice che nessuno vorrebbe mai al proprio fianco: “Chi sono i cattivi? Perché scappa? Perché sanguina? Perché… perché… perché…”, una sorta di fittizio interesse, affinché potessi appartenere anche io al mondo dei grandi e sapienti “Indy - fans”) ma mi porto ancora appresso alcuni fotogrammi che tentavo di assorbire con tanta naturalezza, quanto poi di scacciarli quando tornavano a galla nelle notti silenziose e buie: una su tutte, il sacrificio alla Dea Kalì con tanto di estrazione, a mani nude, del cuore umano ancora pulsante.
E’ il tocco magico ed inarrivabile dell’estro di Steven Spielberg, uno in grado di rendere reale ogni effetto speciale, oggi come vent’anni fa.
Non ho voluto riprendere in mano quelle videocassette, quel divano, quei pomeriggi infantili, piuttosto conservare il mio limbo di inconsapevolezza. Sono entrata in sala con la stessa ingenuità fanciullesca di chi non vuole comprendere sino in fondo, ma soltanto ammirarne la superficie.
Ho rivissuto quegli anni e quelle fragili paure di fronte a sotterranei bui e polverosi, lo stesso ribrezzo davanti ad insetti (stavolta, si tratta di formiche e scorpioni dalle dimensioni raddoppiate) e ragnatele (immancabili, ad indicare che il tempo, in qualche modo, lascia il segno su ogni cosa), mummie e scheletri, sussultato ad ogni cigolio e trappola. Mi sono emozionata rivendendo il sorriso di Marion (Karen Allen), riascoltando “Non toccare niente”. Eccitata per ogni schiocco di frusta e recupero in extremis dell’inseparabile cappello.
Commossa davanti a quegli occhi piccoli, a quel corpo debole, un po’ goffo e un po’ coraggioso (ma, a mio avviso, mai ridicolo come quello di semi-coetanei alla ricerca di sequel storici), a quel viso un po’ paffuto e allo sguardo malinconico, ma pur sempre fascinoso.
Gli perdoniamo tutto a questo meraviglioso Harrison Ford: il suo Indy continua a brillare di una luce stanca, ma tutta sua.

Trama

Fine anni Cinquanta, il clima politico è dominato dalla “Guerra fredda”. I nemici, dunque, sono i soldati Russi, capitanati da Irina Spalko (Cate Blanchett), che tentano di servirsi della conoscenza dell’archeologo Henry Jones Junior (Harrison Ford) per arrivare a trovare il prezioso teschio di Cristallo di Akator, in Perù. Con l’aiuto del giovane Mutt Williams (un temerario Shia LaBeouf in stile Marlon Brando), Indy intraprende questa nuova avventura, nel quale ritroverà nuovi e vecchi compagni di viaggio.

Citazioni

- Indiana Jones (Harrison Ford) “Eravamo giovani” – “Mac" (Ray Winstone) “Ehi, io sono ancora giovane”
- Mac “Che ti devo dire, sono un capitalista e loro pagano”
- Charles Stanforth (Jim Broadbent) “Sembra che abbiamo raggiunto un’età in cui la vita smette di dare e inizia a prendere”
- Indy “Bel gesto, ma non si va con un coltello ad una sparatoria”
- Mutt Williams (Shia LaBeouf) “Non sei male nelle risse, quanti ne hai ottanta?”
- Mutt “E tu saresti un Professore?” – Indy “Qualche volta”
- Indy “Tu liberami ed io ti abbraccio”
- Indy “Oh, Marion. Dovevi proprio farti rapire?” – Marion (Karen Allen) “Vedo che tu non hai fatto di meglio”
- Indy “Allora che fai, il triplo gioco?” – Mac “No, ho solo mentito sul doppio gioco”
- Indy “Il sapere era il loro tesoro”
- “Quanto della vita umana va perduto nell’attesa”

Carta d'identità

Titolo originale: Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
Titolo italiano: Indiana Jones e il Regno del Teschio di Cristallo
Data di uscita (in Italia): Cannes 2008 - 23 Maggio 2008
Genere: Azione, Avventura
Durata: 126'
Regia: Steven Spielberg
Cast: Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett, Ray Winstone, Karen Allen, John Hurt, Jim Broadbent, Alan Dale, Joel Stoffer
Da vedere: è impedibile, per il semplice fatto che è dell’intramontabile Indiana Jones che stiamo parlando. Fedele.

La favola dolce di “Junbruco”

Siete in grado dare forma alle emozioni attraverso questo display? Provate ad immaginarlo come mare aperto, non limite: attraverso i suoi colori e le sue profondità. Oltre lo schermo, l’infinito. Abbiate fantasia. E soprattutto liberatevi di ogni falsa severità. Solo così, entrerete a far parte del “pazzo” mondo di Juno/Junbruco (Ellen Page). Un universo totalmente a sé: colmo di curiosità, autoironia e beata strafottenza. Ci piace questa sedicenne tutta brio e succhi di frutta: la adoriamo anche se da anni non ci sediamo su un banco di scuola, da tempo abbiamo perso la verginità, da “secoli” non ci sentiamo appagati dalle piccole cose. Ci affezioniamo a lei perchè ha tutti gli ingredienti per piacere a chiunque, e se così non fosse… “chi-se-ne-frega”: semplice, ingenua ed incurante delle mode. Ma mai così immatura da risultare banale. Personalmente seduta lì, su quella poltrona un po’ comoda un po’ consunta, mi sono sentita padrona di me stessa, delle mie scelte, dei miei errori, ma comunque capace di plasmare la mia quotidianità. Lasciando alle spalle il grandeschermo, invece, sono tornata a vivere in funzione degli altri, a fondere la mia vita con quella di chi mi vive accanto, anche quando non parrebbe né utile, né vantaggioso.
Invece Juno non ci somiglia, ma rispecchia ciò che (spesso) vorremmo essere (o sembrare). A volte più matura e veritiera degli adulti che la circondano, a volte legittimamente bambina: con quello “slang” tutto giovane, con quell’immaturo “concetto vegetariano” di gravidanza (si porta appresso questo “panciotto”, come se fosse un fagiolo da coltivare) e quella baldanza quasi imbarazzante. Ci piace proprio tanto.
Troviamo (quasi) perfetto ogni angolo di questo film, che sia concavo o convesso, ci emoziona comunque. Il cast, per esempio, è molto ben assortito: in rilievo il padre di Juno (J.K. Simmons - ce lo ricordiamo arrogante ed anche un po’ ottuso, nelle vesti del datore di lavoro di Peter Parker nella trilogia di “Spider Man”), probabilmente fonte principale di quell’ironia che finisce per irradiare la vita della figlia, o ancora il ragazzino della protagonista, Paulie (Michael Cera), timido ed inesperto ma spavaldo se necessario. Ogni singolo componente, ad ogni modo, mostra qualità per le quali andrebbe menzionato, ma è divertente imparare a conoscere ciascun personaggio attraverso le reazioni e le vicissitudini di cui è vittima (o carnefice).
Viene facile qualificare questa pellicola servendosi di soli aggettivi (piuttosto che fronzoli inutili), due su tutti: fresco e colorato. “Fresco” poiché palese è l’inflessione con il quale viene affrontata la fragile tematica dell’aborto, senza impegno “spremimeningi”, piuttosto con rispetto ed intelligenza. “Colorato” perché ogni nota lasciata sullo spartito è immediatamente orecchiabile: vivace è la colonna sonora, energica è la protagonista, colorati sono gli abiti e i dialoghi. Non ci si stanca mai di tutta questa vitalità. Anche quando sopraggiunge la commozione.
Pellicola che diverte, commuove e che ci fa sentire riflesso dei nostri errori, orgogliosi delle nostre imperfezioni e piccoli di fronte alle scelte della vita. Dunque, autentici nel nostro essere uomini.

Trama

Juno MacGuff (Ellen Page) ha sedici anni e una gran voglia di saziarsi di ogni briciola che il mondo le offre. Disgraziatamente, però, per un errore di ingenuità si trova a dover affrontare una gravidanza inattesa. Con grande coraggio e senso del dovere (ed alle spalle un padre molto in gamba) decide di partire alla ricerca di due genitori all’altezza di crescere il suo bambino.

Citazioni

- Bottegaio rivolgendosi a Juno intenta ad osservare il test di gravidanza evidentemente positivo "Non è una lavagnetta magica, questo è uno scarabocchio che non si può cancellare"
- Leah (Olivia Thirlby) "Juno?" - Juno (Ellen Page) "No, sono Morgan Freeman, hai qualche osso da collezionare?"
- Juno "Di solito, una gravidanza porta ad un neonato"
- Mac MacGuff (J. K. Simmons) padre di Juno "Chi è il ragazzino?" - Juno toccandosi la pancia "Ehm, in realtà non lo conosco molto bene, però so che ha le unghie" - "Juno, intendevo dire il padre del bambino"
- "Hai saputo che Juno è incinta, come le nostre madri e le Prof?" - Paulie Bleeker (Michael Cera) "Sì" - "E hai saputo che è tuo?" - "Sì" - "Dovresti farti crescere i baffi" - "C'ho provato, ma non mi vengono"
- Paulie "Sembri sempre più incinta, ogni giorno"
- Genitori di Juno "Stai attenta" - Juno "Sono già incinta quale altro pastrocchio potrei combinare?"
- Juno a Leah "Dentro di me scorre la vita, dentro di te cibo messicano"
- Juno "Mi piace essere un pezzo d'arredamento nella tua vita strana"
- Vanessa (Jennifer Garner) "Una donna diventa madre quando è incinta. Un uomo diventa padre quando nasce il bambino"
- Vanessa al marito (Mark - Jason Bateman) "Se devo aspettare che tu diventi Kurt Cobain, io non sarò mai madre"
- Mac "Ciao versione espansa di "Junbruco", dove sei stata?" - Juno "Fuori ad occuparmi di cose ben al di sopra del mio livello di maturità"
- Mac "La persona giusta pensa che caghi rose dal sedere"
- Juno "Sto perdendo fiducia nella civiltà umana" - Mac "Puoi restringere il campo?"
- Juno "Sei la miglior persona che abbia mai conosciuto e poi non ti sforzi nemmeno"
- Juno "Tu sei stupendo" - Paulie "Possiamo pomiciare ora?"
- Leah "Ehi Juno, guarda che potresti avere un parto prematuro se vi succhiate in quel modo"
- Juno "So che uno dovrebbe innamorarsi prima di riprodursi ma credo che la normalità non faccia per noi"
- Juno "Sei un amante part-time e un amico full time"

Carta d'identità

Titolo originale: Juno
Data di uscita (in Italia): Roma 2007 - 04 Aprile 2008 - Nominations Oscar 2008
Genere: Commedia, Drammatico
Durata: 91'
Regia: Jason Reitman
Cast: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Olivia Thirlby, Allison Janney, Rainn Wilson, J.K. Simmons, Candice Accola, Cameron Bright, Daniel Clark
Da vedere: per colorarsi un po’. Il grandeschermo diventa sorgente continua di energia. I bizzarri (ma ad effetto) titoli di testa (accompagnati da una bellissima “All I Want Is You” di Barry Louis Polisar) ne sono una prova (semmai ce ne fosse bisogno).

Un mezzo… per un fine

Assente troppo a lungo dalle sale cinematografiche (giustificata: tutta colpa della distribuzione valtellinese, ben al di sotto da quelle che sono le mie preferenze) avevo quasi dimenticato quella sensazione di eccitazione (che si prova soltanto quando l’adrenalina si mescola con il sangue: emozione che non apparirà esagerata per chi, come me, non si dimentica mai di portarsi appresso una sana passione) che attraversa il mio corpo di spettatrice, quando le luci si abbassano. Fanno sentire viva.

“21” proietta lo spettatore nel mondo ambiguo del gioco d’azzardo, dove si rischiano soldi e dignità, dove si è di continuo sospesi tra il fato e la presa di coscienza, in equilibrio su un filo troppo sottile per concedersi anche solo il più trascurabile degli errori. Un film, a mio avviso, eccessivamente duraturo tenendo presente quel che ha da raccontare ma che, malgrado abbia letto il contrario, può contare (oltre alle carte) sull’ottimo Kevin Spacey, sull’esperienza di Laurence Fishburne (è sempre apparso così paffuto e maledettamente malvagio?) e l’ingenuità di Jim Sturgess.
Una pellicola che ricorda l’estro di Charlie (Tom Cruise) in “Rain Man”, a metà strada fra i colpi di scena di “The Departed” (mi riferisco alla “forma” non al “contenuto” che, naturalmente, non è paragonabile) e le strategie di Ocean e i suoi Eleven, Twelve o Thirteen. Con l’ “unica” differenza di non saper stupire mai abbastanza.
Siamo spettatori della vita di un ventenne qualunque con l’ambizione di studiare medicina ad Harvard, perennemente squattrinato che si arrangia come può per guadagnarsi da vivere onestamente ma che improvvisamente, complice la sua intelligenza ed un Professore indiscutibilmente furbo, si vede cambiare la propria vita. Niente di particolarmente nuovo ai nostri occhi, ma comunque godibile.
Un film senza troppe pretese, se non quella di tenere buona compagnia e (soprattutto) di vedermi di nuovo in sala, mai sazia di emozioni e in cerca del “film perfetto”. Che non è questo.

Trama

Ben (Jim Sturgess) deve trovare 300000 dollari per poter pagare la rata di iscrizione all’università di Harvard. Accecato dall’ambizione di potersi permettere gli studi nel più antico ateneo americano, accetta senza troppe lusinghe di entrare a far parte di un circolo di studenti (capitanati dal Professor Micky Rosa - un riuscito Kevin Spacey) che ogni week-end si reca a Las Vegas per cercare fortuna al Blackjack. Sfidando la sorte, attraverso un metodo (apparentemente) infallibile nel quale ognuno gioca un ruolo minuzioso e fondamentale, tentano di sbancare i Casinò sotto mentite spoglie sino a che, sulla loro fortunata strada, incontrano uno spietato responsabile, Cole Williams (Laurence Fishburne).

Citazioni

- Amico di Ben “Vediamo: mi stai dicendo che hai abbandonato il progetto perché te la spassavi a rimorchiare belle donne e fare un sacco di soli? Ti perdono, anche io avrei fatto lo stesso”
- Jill Taylor (Kate Bosworth) “La cosa migliore di Las Vegas è che lì puoi diventare quello che vuoi”
- Ben Campbell (Jim Sturgess) “Per la prima volta in vita mia la vita mi si presentava facile”
- Cole Williams (Laurence Fishburne) “La sua fortuna finirà, succede sempre”

Carta d'identità

Titolo originale: 21
Data di uscita (in Italia): 18 Aprile 2008
Genere: Drammatico
Durata: 125'
Regia: Robert Luketic
Cast: Kevin Spacey, Laurence Fishburne, Kate Bosworth, Jim Sturgess, Liza Lapira, Sam Golzari, Aaron Yoo, Jack McGee, Kal Thompson, Rebecca Marshall
Da vedere: per passare una serata piacevole, sognando auto di lusso, una sdraio, un cocktail analcolico alla frutta ed una palma sotto cui ripararsi per cercare un po’ di ombra.